DO-MI-SOL

Concierto para piano n.º 1

2012-05-23T11:38:00.002-07:00

El Concierto para piano y orquesta n.º 1 en si bemol menor, opus 23, fue escrito por el compositor Piotr Ilich Tchaikovsky entre noviembre de 1874 y febrero de 1875.
Tiene una duración aproximada de unos 40 minutos.
La versión original se estreno en Boston, (EE.UU.) el 25 de octubre de 1875, dirigido por Benjamin Johnson Lang y Hans von Bülow en el piano.
Tchaikovsky escribió también un arreglo para dos pianos en diciembre de 1884, revisándolo en diciembre de 1888.
Vladimir Horowitz fue el único pianista registrado en la historia de la música que pudo realizar a una velocidad inalcanzable el "pasaje de octavas" del 3ª movimiento de este concierto de Tchaikovsky.
Horowitz fue el pianista que más rápido podía tocar octavas.

Recordando a ... Eduardo Fabini

2012-05-15T17:09:00.003-07:00

Nacido el 18 de mayo de 1882 en el pequeño pueblo de Solís de Mataojo,departamento de Lavalleja (Uruguay), siendo sus padres Juan Fabini y Antonia Bianchi.

Transcurrió allí su primera infancia en contacto íntimo con la naturaleza.

Fabini es considerado el más elevado y positivo valor de la música culta uruguaya; habiendo iniciado una orientación musical que insertó en las formas musicales clásicas, tonalidades y melodías de la música folclórica nacional; en lo que logró expresiones de exquisito refinamiento, de excelente inspiraciôn, y de gran sensibilidad musical. Seguir leyendo...

Todavia....

2012-05-09T15:20:00.000-07:00

"Todavía no se han inventado las barreras que digan al genio: «De aquí no pasarás»."

BEETHOVEN

Disfrutemos la musica

2012-05-02T15:30:00.000-07:00

La música no es cuestión de edad, y lo vemos en el siguiente video.

Es un placer ver como la música y los músicos contribuyen a un bienestar general sin importar la edad o condición física.

Disfrútenlo.....

Día Internacional de la Danza

2012-04-27T17:36:00.001-07:00

En 1982 el Comité de Danza del Instituto Internacional del Teatro de la Unesco estableció el 29 de abril Día Internacional de la Danza con el fin de atraer la atención sobre el arte de la danza.

Fue instituido a partir de la propuesta del maestro ruso Piepor Gusev de homenajear al gran innovador del ballet clásico, el coreógrafo francés Jean Georges Noverre, nacido el 29 de abril de 1727, quién fue el más grande coreógrafo de su época, y se le considera el creador del ballet moderno o neoclásico.

ApliCanciones

2012-04-23T17:29:00.000-07:00

El cantautor y músico uruguayo Jorge Drexler la semana pasada lanzó sus “ApliCanciones”, el prototipo de una aplicación para tabletas y smartphones que les permite a los usuarios intervenir en sus temas mediante la combinación de las estrofas.

Drexler hizo su lanzamiento en The App Fest, un evento tecnológico realizado en Madrid el 19 y 20 de abril, organizado por The App Date y Movistar.

"Me cansé de quejarme de que me robaban las canciones, es hora de aprovechar la tecnología", dijo el uruguayo ante el público que participó de la presentación en la que contó el funcionamiento de las “ApliCanciones”. "Como los círculos de poesía combinatoria medieval", explicó.
En su demostración utilizó una canción en el que los usuarios tienen una serie de estrofas predeterminadas que pueden combinar a su gusto, en tiempo real, sobre la música.
"La que presentamos se llama 'Habitación 316', relata el encuentro en una habitación de hotel y las casi infinitas lecturas de lo que allí pasa. Son 24 versos que pueden combinados en cualquier orden, lo más cerca del infinito que he llegado a conocer", dijo Drexler.
Ext. de observa

Valses de Chopin

2012-04-20T07:55:00.000-07:00

Los valses de Chopin son piezas de tiempo mediano como los valses comunes de 3/4, pero son diferentes a los valses vieneses, al ser interpretaciones para concierto y no para baile.
Algunos son accesibles para pianistas de habilidad moderada, pero los más difíciles requieren una técnica avanzada.
Chopin empezó a componer los valses en 1824, a la edad de catorce años, y siguió componiéndolos hasta el año de su muerte en 1849.
Descargar partituras de los valses: clic aquí

Soñar y ser músico en Uruguay

2012-04-15T07:11:00.001-07:00

Según Álvaro Méndez coordinador general de la Filarmónica de Montevideo, el universo clásico en Uruguay está integrado por unas 3.000 personas, entre estudiantes y profesionales, solistas o miembros de cualquier banda.

Todos sueñan lo mismo: vivir de la música clásica.

Muchos comienzan a recorrer este camino por tradición familiar o porque, al decir del maestro Federico García Vigil "el mundo del silencio no existe más; el mundo está lleno de música".

Y, ¿se puede vivir de la música clásica? Méndez, García Vigil y Ariel Britos -director de la orquesta Artigas, violista de la Orquesta Sinfónica del Sodre (Ossodre) y presidente de la Fundación de Orquestas Juveniles- son tajantes al responder lo mismo: claro que se puede. Es algo posible sí, pero con el multiempleo como necesidad imperiosa en una profesión costosa, en un mercado pequeño y con pocas oportunidades.

Méndez bromea con que los artistas son como taxistas: siempre yendo de un lado a otro. "La música está tan codificada y escrita que, gracias a las partituras, la movilidad está facilitada y permite ir de tocar en una orquesta a una banda típica, de cámara, de jazz o de fusión, ser concertista (que son muy pocos) o dar clases; esto último es un complemento importante en casi todos los músicos", ya sea de manera particular o en instituciones.

El Sistema de Orquestas Juveniles, integrado por 800 chicos de 5 a 24 años, tiene a la José Artigas como mascarón de proa, algo así como un semillero de las orquestas profesionales. Britos lo define como un programa de acción social, acentuada en contextos medios-bajos, que despierta la vocación musical en los niños. "Y muy pronto se dan cuenta que este mundo conlleva un montón de responsabilidades y oportunidades, donde el sacrificio y la disciplina son fundamentales".

Sin embargo, Federico García Vigil prefiere aconsejarle distinto a un chico que está iniciándose: "Yo les diría que estén abiertos a todo, que escuchen todo tipo de música, incluyendo rock, que la familia los oriente. ¿Avisarles que es una vida de ensayo y sacrificio? No, no, no... hoy por hoy con la historia del sacrificio nadie convence a nadie", carcajea.

"La música clásica cada vez más va abriendo oídos, cerebros y sensibilidades", asegura el maestro Federico García Vigil, exdocente y exdirector de la Filarmónica. Él también se basa en estudios internacionales que dicen que "por cada millón de habitantes debería haber una orquesta sinfónica; esa gente genera el público y la riqueza para pagarles los sueldos; y buenos sueldos. Entonces, aquí tendría que haber tres y no dos"..

Clic aquí para leer toda la nota en diario El País.

Desert Symphony

2012-04-11T15:50:00.001-07:00

La música e imagenes unidas para un bello espectaculo.

Pasión según San Mateo - Bach

2012-04-07T13:17:00.002-07:00

La Pasión según San Mateo es una pasión oratórica de Johann Sebastian Bach.

Presenta el sufrimiento y la muerte de Cristo según el evangelio de San Mateo.

Con una duración de más de dos horas y media es la obra más extensa del compositor.
A pesar de que la obra no fue muy estimada en su tiempo por su estilo "operístico", rechazado en su mayoría por los representantes del Pietismo dentro de la burguesía de Leipzig, Bach revisó algunas de las partes de la obra varias veces, la última de ellas en 1736, en donde incluyó un grupo de continuo con órgano para cada uno de los dos coros.
Tras la muerte de Bach, la obra cayó en el olvido y no fue hasta 1829 cuando el compositor y director Felix Mendelssohn volvió a interpretarla en una versión abreviada. La reinterpretación de esta obra dio inicio a un fuerte interés por el estudio y el análisis de las obras de Bach, particularmente las de gran escala, que ha persistido hasta nuestros días.
En la Pasión según Mateo, Bach trabaja con diversos símbolos musicales. Es así que las palabras de Cristo siempre son acompañadas por tonos largos de las cuerdas, que se utilizan como símbolo de lo divino, mientras que los demás caracteres sólo son acompañados por el bajo continuo. Únicamente cuando Cristo pronuncia sus últimas palabras, las cuerdas callan: Cristo se ha convertido en hombre.

A todos los visitantes y amigos del blog: FELICES PASCUAS.

Pianos Grotrian - Steinweg

2012-04-03T13:34:00.000-07:00

Conocido como Grotrian en los EE.UU., es un fabricante alemán de pianos de lujo.
La compañía tiene su sede en Braunschweig, Alemania. Grotrian-Steinweg hace pianos de lujo, como pianos de cola y pianos verticales.
La historia Grotrian-Steinweg se remonta a 1835 cuando la fábrica Steinweg, construyo el primer piano por Heinrich Engelhard Steinweg (más tarde conocido como Henry Steinway después de emigrar a los EE.UU., donde fundó Steinway & Sons).
En 1856, Friedrich Grotrian se convirtió en socio, en 1865 su hijo Wilhelm Grotrian y dos socios compró la fábrica y el derecho a comercializar sus pianos como sucesores de la marca Steinweg. Las generaciones posteriores de miembros de la familia Grotrian llevaron a la compañía a convertirse en uno de las mejores fabricantes de piano en Alemania.

La depresión económica en la década de 1930 y la guerra en la década de 1940 causó a Grotrian-Steinweg perder por completo su fábrica. La familia reconstruyó la fábrica y volvió a establecer su reputación por la calidad del trabajo.
Grotrian-Steinweg buscó expandirse hacia los EE.UU. en la década de 1960 con la intención de beneficiarse de la similitud entre las marcas "Steinweg" y Steinway & Sons .
Steinway & Sons presentó una demanda para impedir la práctica, lo que resulta en una decisión de 1975 por la Corte de Apelaciones de Estados Unidos.
El caso sentó un precedente en la descripción de " la confusión de interés inicial ": que la marca Grotrian-Steinweg podría hacer que los compradores de piano pudiesen confundir su marca con la marca Steinway & Sons.
El tribunal ordenó a Grotrian-Steinweg dejar de vender pianos en los EE.UU. bajo el nombre "Steinweg".
Después, la compañía formó una entidad de negocio llamado Compañía Grotrian piano, a través del cual vende pianos en América del Norte.
A partir de 2012, la compañía Grotrian-Steinweg es propiedad de las hijas de Erwin Grotrian, con la sexta generación de Jobst Grotrian.
Cada año, la empresa produce alrededor de 500 pianos en seis tamaños y 100 pianos de cola en cinco tamaños diferentes.
En 2010, la compañía emitió un modelo del año aniversario, un 46,5 pulgadas (118 cm) en posición vertical llamada Compose Exclusivo, de los cuales 50 fueron producidos.
sitio oficial: clic aquí

Cumpleaños Musical

2012-03-30T16:14:00.002-07:00

He aquí algunos de mis artistas-músicos favoritos para disfrutarlos en mi cumpleaños.

"No basta con oir la música; además hay que verla."

Igor Stravinski

Sembrando Talentos 2012

2012-03-25T13:22:00.000-07:00

Inspirado en los programas de la OJA (Orquesta Juvenil de la Américas, en inglés YOA) y su impacto social, es que se creó en Uruguay, por iniciativa del joven violinista uruguayo Nicolás Giordano Pisano, una modalidad de enseñanza de la música utilizándola como una poderosa herramienta para inculcar conocimientos musicales, estéticos, interactuar con niños y jóvenes con especial atención a aquellos que no tienen posibilidades de acceder a una formación académica.
Sembrando Talentos esta dirigido por jóvenes músicos destacados internacionalmente, quienes cooperan de manera interactiva compartiendo sus experiencias y conocimientos con niños y jóvenes músicos uruguayos. Las métodos de enseñanza incluyen clases individuales como así también la práctica orquestal entre otras.
Seguir leyendo....

He aquí el Festival Internacional Sembrando Talentos 2012

Aprendemos jugando

2012-03-22T07:44:00.000-07:00

Les dejo el siguiente enlace (Clic aquí) para que puedan practicar los conocimientos primarios de los signos musicales.
Es una forma entretenida de formar frases, que nos recuerda conceptos aprendidos en clase.
La web donde encontraran mas juegos es: aprendomusica.com

Johann Sebastian Bach

2012-03-18T11:00:00.000-07:00

Este 21/31 de marzo (1685) recordamos un año más del nacimiento del compositor alemán J.S. Bach.
La fecha de su nacimiento corresponde al calendario juliano, pues los alemanes aún no habían adoptado el calendario gregoriano, por el cual la fecha corresponde al 31 de marzo.

Johann Sebastian Bach perteneció a una de las más extraordinarias familias musicales de todos los tiempos. Durante más de 200 años, la familia Bach produjo docenas de buenos ejecutantes y compositores (durante seis generaciones dio 50 músicos de importancia).
El padre de Johann Sebastian, Johann Ambrosius Bach, era un talentoso violinista y trompetista en Eisenach.
Este enseñó a su hijo a tocar el violín y el clavecín. Los tíos de Johann Sebastian eran todos músicos profesionales.
Uno de sus tíos, Johann Christoph Bach era especialmente famoso y fue quien le introdujo en el arte de la interpretación del órgano.
Bach encabezó una familia numerosa con un total de veinte hijos. Su primera hija nació cuando el compositor tenía 23 años y su última hija cuando tenía 57 años.
Hay pocos instrumentos para los que Bach no haya compuesto algo. Durante toda su vida trató de mejorar sus obras corrigiéndolas y perfeccionándolas y nunca se dejó influir por las opiniones del público.
Creía que el artista podía educar al público y no aceptaba realizar piezas facilistas para lograr aceptación.
Murió de apoplejía a las 8 de la tarde del 28 de julio de 1750, después de una intervención quirúrgica fracasada en un ojo, realizada por un cirujano ambulante inglés llamado John Taylor.
Había ido quedándose ciego hasta perder totalmente la vista. Pocas horas antes de fallecer la recuperó, pero luego murió. Actualmente se cree que su ceguera fue originada por una diabetes sin tratar. Según ciertos médicos, padecía de blefaritis, enfermedad ocular visible en los retratos de sus últimos años.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca. Se distinguió por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística.
Documentos de la época indican que, en algunos círculos, el apellido Bach fue usado como sinónimo de «músico».

Mozart: efectos

2012-03-14T12:38:00.002-07:00

The Piano Guys - Los chicos del Piano

2012-03-10T14:46:00.000-08:00

Los chicos del piano es un dúo de música americana formado por Jon Schmidt y Steven Nelson .
Se hicieron famosos a través de YouTube , donde se publicó videos de las entregas y de canciones populares acompañados por profesionales que buscan los clips de vídeo.
En diciembre 2011 lanzaron su primer álbum.
Paul Anderson cuenta con una tienda de pianos en San George, Utah .
Se reunió con el músico Jon Schmidt, ya que este último entró a preguntar si podía practicar allí para un próximo concierto.
Ellos comenzaron a hacer grabaciones de audio y video juntos. Cuando Nelson se unió a Steven, el grupo despegó y se produjo un video musical cada semana y lo puso a YouTube. Varios videos tienen más de un millón de visitas.
El equipo también incluye a Tel Al Stewart y Van Der Beek, que trabajan detrás de las escenas en la música y la producción de vídeo.

Jon toca el piano , Steven toca cello.

En la mayoría de las canciones, graban varias pistas de audio que se mezclan. En ocasiones, se superponen los videos de las pistas de audio anteriores para dar la impresión de muchos instrumentistas idénticos están tocando a la vez.

Sitio oficial: http://thepianoguys.com/newstore/

La música clásica también tiene cara de mujer

2012-03-07T13:37:00.000-08:00

Nunca hubo una Bach, una Beethoven o una Mozart.

Ni tampoco una Verdi o una Wagner.

Es materia opinable, por supuesto, pero en la historia de la música no se registra una compositora mujer de esa categoría, a juzgar por el testimonio contundente de historiógrafos y musicólogos de todas las épocas.
Esa especie de valor entendido en el sentido de ignorar de plano la existencia misma de creadoras musicales ofrece numerosos ejemplos.
El célebre director de orquesta sir Thomas Beecham decía, a principios de siglo: No hay compositoras, nunca las hubo y posiblemente nunca existirán. Concepto tan terminante como el denunciado en la Biblia, cuando Adán exige a Eva que deje de emitir un ruido tan horrible mientras tañe una caña hueca, agregando que si alguien tiene que hacer eso debe ser él.
También el Papa Inocencio XI declaraba en un edicto de 1686 que la música es absolutamente dañina para la modestia que corresponde al sexo femenino, criterio refirmado en 1703 por Clemente XI. El filósofo Moisés Mendelssohn, abuelo de Felix y Fanny, despreciaba la erudición de las damas de modo rotundo e impiadoso.
Tres notables compositoras argentinas se prestaron a contestar la pregunta básica. ¿Por qué no hubo creadoras musicales como Bach, Beethoven, etc.? Hilda Dianda, Alicia Terzian y Marta Lambertini coincidieron en general en el rechazo a la pregunta misma.
Para Dianda la pregunta en sí ya constituye segregación y es discriminatoria, algo que apoya Lambertini.
Según Terzian la respuesta es muy simple: Porque la historia se escribe en Europa y la redactan los hombres.
Hilda Dianda quiere destacar tres aspectos: la música es la más abstracta de todas las artes, es sonido, por lo tanto si no se la oye no trasciende, no existe; compositoras existieron, existen y de acuerdo al notable aumento en escala mundial, desde hace 30 años, seguirán existiendo.
Lo que no existe es la difusión de sus obras en forma habitual, normal, coherente con el fluir continuo del hecho musical.
Dianda agrega que la sola expresión mujeres compositoras supone sorpresa, asombro, incredulidad. Con la discriminación se equivoca el rumbo, se desvían vocaciones, se atrasa el merecido respeto y reconocimiento a trascendentales trayectorias, y se menosprecia al público que ama la música y quiere oírla y entenderla.
Para la compositora cordobesa debe operarse un cambio de mentalidad en quienes manejan instituciones musicales oficiales o privadas y también en los intérpretes.
Y añade que los géneros femenino-masculino no avalan en absoluto ni jerarquía creadora ni mérito artístico, ni poder de inventiva ni capacidad técnica, pidiendo ser abiertos y respetuosos sólo ante los valores de las composiciones. Leer todo el artículo completo: clic aquí.

Recordamos a: Antonio Vivaldi

2012-03-04T11:01:00.000-08:00

En un nuevo aniversario de su nacimiento, un 4 de marzo de 1678, en Venecia.

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Recordamos a Federico Chopin

2012-02-29T11:44:00.000-08:00

Este 1º de marzo recordamos un aniversario mas del nacimiento del celebre compositor Federico Chopin.
Su vida y obras en publicaciones anteriores de Do Mi Sol: clic aquí.

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Chopin en Guitarra

Chopin en violin y piano

Chopin en Piano

La música y el cerebro infantil

2012-02-27T06:10:00.000-08:00

Una nueva investigación sobre la relación entre la música y el cerebro ha podido establecer que los niños que tocan un instrumento una media de dos horas y media a la semana desarrollan un 25% más el cuerpo calloso, la zona que conecta los dos hemisferios cerebrales y que ayuda a la coordinación de ambas manos.

Los investigadores descubrieron también que el incremento en el cuerpo calloso es directamente proporcional al rendimiento en una prueba no musical en la que los niños presionaban secuencias en un teclado de ordenador. Ahora se trata de averiguar si la práctica musical conllevaría otros beneficios, como la mejora de la memoria o las cualidades de razonamiento.

Tocar un instrumento musical fortalece las conexiones entre los dos hemisferios del cerebro en niños, pero sólo si éstos practican de manera persistente, señala la revista Sience.

Ya en 1995, el mismo autor del presente estudio, el neurólogo y neurocientífico Gottfried Schlaug descubrió que los músicos profesionales que habían empezado a tocar antes de los 7 años de edad presentaban un cuerpo calloso más grueso de lo normal.

No faltaron escépticos que, entonces, señalaron que este tamaño inusual del cuerpo calloso podría estar en el origen de la capacidad musical y no a la inversa, es decir, que los músicos podrían haber tenido desde el principio un cuerpo calloso más desarrollado.

Ahora, Schalug, que trabaja en la Harvard Medical School de Boston, y sus colegas Marie Forgeard y Ellen Winner, del Boston College, han estudiado a un total de 31 niños utilizando imágenes de resonancia magnética. Con esta tecnología, analizaron los cerebros de los niños, primero cuando éstos tenían seis años y, posteriormente, cuando tenían nueve años de edad.

Del grupo inicial, seis niños siguieron practicando con sus instrumentos durante esos años al menos dos horas y media a la semana. El cuerpo calloso de estos estudiantes de música creció entre los seis y nueve años un 25% en relación con el tamaño global del cerebro.

En cambio, en el caso de los niños que también siguieron tocando, pero sólo entre una y dos horas a la semana o que, directamente, abandonaron la práctica, no se detectó este crecimiento del cuerpo calloso.
Todos los participantes en el experimento tocaban el piano o el violín, instrumentos que precisan el uso de ambas manos.

Esta investigación no es la primera que señala el efecto del aprendizaje y la práctica musical en el cerebro infantil. En otro estudio anterior, realizado por psicólogos de la Universidad McMaster de Canadá, se compararon los efectos del aprendizaje de la música sobre la sensibilidad de los niños y sobre su capacidad de memorización.

Con un seguimiento de dos años de duración a dos grupos de niños de edades comprendidas entre los cuatro y los seis años, se pudo demostrar que los participantes de uno de estos grupos, al que se le enseñó música, habían sufrido una maduración acelerada del córtex cerebral.

Otra interesante investigación realizada hace unos años demostró por otro lado que los músicos profesionales tienen el cerebro más desarrollado en las áreas de éste relacionadas con el oído, la vista y la agilidad física.

Investigaciones anteriores han podido determinar que no existe en el cerebro una región específica para la sensibilidad musical, sino que la música abarca diversas áreas cerebrales, incluso algunas que normalmente están implicadas en otro tipo de actividad. También hemos descubierto que las áreas cerebrales activas varían según la experiencia individual y el entrenamiento musical.
Leer el articulo completo: clic aquí

Mariano Mores: su despedida

2012-02-22T14:06:00.000-08:00

El maestro Mariano Mores una eminencia del tango, presenta hoy su último show de la presente gira que marcará el fin de su carrera artística, entregando la batuta a su nieto y sucesor Gabriel Mores.
El pasado sábado cumplió sus 94 años en la ciudad de Mar del Plata (Argentina).
Mariano Mores nació con el nombre de Mariano Alberto Martínez en el barrio San Telmo (en Buenos Aires) el 18 de febrero de 1918.
Estudió en el conservatorio D’Andrea en Lanús Oeste e hizo el Profesorado de Música clásica en sólo tres años.
Estrenó sus primeras composiciones en el Trío Mores, que integraba junto a las hermanas Margot y Myrna Mores.

Se casaría con Myrna (cuyo verdadero nombre es Guillermina Morales) y adoptaría el apellido Mores como nombre artístico.
En realidad él era simplemente Marianito, el pianista de las Hermanas Mores, el apellido se le agregó por usos y costumbres: "Actúan los Mores" o "El trío Mores"
Después de su casamiento Myrna dejó de cantar profesionalmente para dedicarse a su hogar e hijos, pero siempre acompañó a su marido a las giras mundiales junto a su orquesta.
Tiene más de 300 grabaciones. Su primer cantor fue su hermano Enrique Martínez, con el seudónimo de Enrique Lucero.
Actualmente cantan junto a Mariano Mores y su orquesta, su hija Silvia Mores, su nieto Gabriel Mores (hijo de Claudia y Nito Mores). Su sobrino Ariel Mores y el cantante uruguayo, radicado en la Argentina Daniel Cortés.
Algunas de sus obras: Taquito militar. Cuartito azul. Uno. Frente al mar. Gricel. Adiós Pampa mía. etc.

Partituras

2012-02-19T08:40:00.000-08:00

Una partitura es un texto que indica, cómo debe interpretarse una composición musical.

La partitura tiene pentagramas, sobre los cuales se ubican los símbolos que representan los componentes musicales de la obra escrita en ella.
Estos signos musicales suelen indicar las notas musicales, las figuras, la armadura de clave, y otros signos de la interpretación musical.
Ademas las partituras suelen tener fuera del pentagrama información adicional sobre cómo interpretar las diferentes secciones de la obra, como el tempo y la intensidad, entre otros.
En obras orquestales, se llama partitura al texto que utiliza exclusivamente el director de orquesta y que contiene toda la obra que se ejecutará.
Particella es el nombre dado a cada una de las partituras que tienen los intérpretes de los diferentes instrumentos.

Les recomiendo una pagina donde pueden encontrar variadas partituras de muy buen nivel:

http://es.cantorion.org/musicsearch/

Arpegio y Escalas

2012-02-16T05:47:00.000-08:00

Para comenzar las clases recordamos el concepto de escalas (clic aquí) y de arpegios (clic aquí).

Por mas conceptos teoricos visiten mi otro blog Do Mayor

La música y la física

2012-02-12T08:07:00.001-08:00